Lorsque la photographie a commencé à se généraliser, entre la fin du XIXe siècle et le début du XXe siècle, elle a eu du mal à trouver sa propre dimension, son propre rôle. La plupart des photographes, en fait, considéraient leur art comme un
substitut à la peinture . Par conséquent, il a imité - ou a essayé d'imiter - leurs styles et tendances. Il y avait des photographes portraitistes et des photographes paysagistes, mais peu osaient chercher de nouvelles voies. Et d'exploiter pleinement le potentiel du véhicule.
Les premiers qui ont peut-être compris comment s'affranchir de l'art traditionnel ont été des photographes américains, notamment de
la côte ouest . Entre les deux guerres mondiales, ils ont commencé à pointer leur voiture vers les paysages - tantôt enchantés et tantôt désolés - des déserts et parcs nationaux de la région.
En travaillant sur la
profondeur de champ , sur le choix parfait de la lumière solaire, sur l'ouverture du diaphragme et sur un réalisme non artificiel, ils ont pu indiquer une nouvelle voie pour la photographie. Un chemin qui sera bientôt rejoint par d'autres. Et cela aurait fait de ce nouveau médium visuel non pas une imitation mécanique de la peinture mais un art nouveau et très puissant.
Le paysage, avec son pouvoir d'évocation, a donc été le premier sujet marquant. Et
les photographes de paysage peut-être les premiers photographes modernes. Mais quels sont, d'alors à aujourd'hui, les principaux noms du secteur ? Voici les cinq maîtres de ce genre.
Edouard Weston
Entre le Mexique et la Californie
Commençons, par ordre d'ancienneté, par
Edward Weston . Sa carrière de photographe - l'une des plus brillantes des années 1900 - est intimement liée, au moins pour une certaine phase de sa vie, à celle d'une illustre italienne, Tina Modotti, qui fut mannequin, assistante et amante.
Né en 1886 dans l'Illinois, près de Chicago, Weston a déménagé en Californie à l'âge de 21 ans. Là, il a immédiatement commencé à travailler comme photographe, même si dans les premières années d'activité il a été fortement influencé par la mode de l'
orientation artistique . C'était une sorte d'effet de flou artistique qui imprégnait de nombreux clichés du début du 20e siècle.
À partir des années 1920, cependant, un style personnel a commencé à se développer. Un style qu'il perfectionne dans les photos de paysages, de nus artistiques, de coquillages, voire de légumes.
Sa vie professionnelle est liée à celle de deux femmes, pionnières dans le monde de la photographie. Avec eux, il partageait l'étude, la recherche et en partie la vie amoureuse. La première était
Margrethe Mather , connue dans les années 1910, alors qu'il était déjà marié et père de famille.
Tina Modotti
Le second était à la place
Tina Modotti , avec qui il a déménagé au Mexique dans les années 1920, juste à l'époque où sa photographie trouvait son chemin. Il rentre en Californie en 1927 et rencontre le jeune Ansel Adams, qui partage la recherche de la perfection formelle mais aussi d'un naturel extrême et d'une sincérité dans la représentation des sujets.
Avec lui et d'autres collègues, il donnera plus tard vie au
groupe f/64 , qui a immédiatement commencé à être hébergé dans les musées. En 1947, on lui a diagnostiqué la maladie de Parkinson et a presque immédiatement cessé de photographier. Il s'est éteint une dizaine d'années plus tard.
Ansel Adams
Le spécialiste des parcs nationaux
Pour
Ansel Adams nous avons déjà consacré il y a quelques temps, un quintette dédié , montrant ses meilleures photos prises dans les parcs nationaux. Et en effet, Adams est certainement le photographe le plus célèbre de notre liste et peut-être le peintre paysagiste le plus important jamais vécu. Ses recherches sur la lumière sont encore inégalées aujourd'hui et ses clichés sont presque impossibles à recréer avec la même puissance naturelle et sincère.
Né à San Francisco en 1902, Adams était passionné par la randonnée dans le parc Yosemite dès son plus jeune âge. Il a également rejoint un club nature - le
Sierra Club - et a commencé à explorer le potentiel de la photographie.
Avec Weston et d'autres collègues californiens - dont
Willard Van Dyke et Imogen Cunningham - il a fondé le groupe f/64 susmentionné. Un groupe qui doit son nom à l'ouverture minimale de l'objectif de l'appareil photo. Une ouverture qui permettait une grande profondeur de champ et une grande précision des détails.
Il a également développé de nouvelles techniques pour mieux contrôler les effets de la lumière sur les tirages photographiques et a documenté certaines des premières explorations de parties de
parcs nationaux alors inconnues du grand public. Ce faisant, il a suscité un grand intérêt populaire pour la nature.
Bien qu'il imprime souvent ses collections photographiques en édition limitée, sa renommée grandit énormément au fil du temps. De quoi faire de lui l'un des photographes les plus respectés de sa génération. Il est décédé en 1984.
Bill Brandt
L'Anglo-Allemand qui a exploré les villes et les espaces
Plus ou moins du même âge qu'Adams, mais britannique, était Bill Brandt, l'un des photographes anglais les plus importants du vingtième siècle. Il a commencé sa carrière en décrivant la société britannique pour divers magazines mais s'est ensuite tourné vers une photographie plus artistique, orientée notamment vers les nus et les paysages.
Né en Allemagne, à Hambourg, en 1904 sous le nom de
Hermann Wilhelm Brandt , il était fils d'un père anglais et d'une mère allemande. Il a donc vécu avec beaucoup de difficultés les années de la Première Guerre mondiale. Le père, bien qu'ayant grandi en Allemagne depuis l'âge de 5 ans, a en fait été interné pour sa nationalité.
Malade de la tuberculose, après une période de traitement en Suisse, il s'installe, après la guerre, à Vienne. Là, il s'initie à la psychanalyse et rencontre Ezra Pound, qui le présentera plus tard à
Man Ray à Paris.
Brandt n'est arrivé à Londres qu'en 1933, mais a immédiatement trouvé du travail dans divers magazines et a ensuite documenté les années de guerre difficiles. Ce sont précisément les paysages du
Londres bombardé qui lui ont fait comprendre que la photographie pouvait aussi explorer de grands espaces, qu'ils soient artificiels ou naturels.
Cela est devenu - avec les nus susmentionnés - la principale vocation de sa photographie d'après-guerre. Parfois, il a également créé des parallèles entre les
formes sinueuses du corps humain et celles de la nature. Il a disparu dans le Londres bien-aimé en 1983.
Michael Kenna
Paysages éthérés avec de longs temps d'exposition
L'anglais, bien que résolument plus contemporain, est Michael Kenna. Né en 1953, il est célèbre pour ses
paysages en noir et blanc qui en cette ère des réseaux sociaux photographiques se sont abondamment diffusés sur la toile. Et que vous aurez certainement vu et revu à mille reprises, même si peut-être sans en connaître l'auteur.
Élève de la Banbury School of Art dans l'Oxfordshire et du London College of Printing, il s'est formé entre la Grande-Bretagne et San Francisco. Depuis les années 1980, il s'est spécialisé dans les
paysages éthérés , qu'il parvient à réaliser en prenant des photos à l'aube ou de nuit. Le temps d'exposition des photos peut aller jusqu'à 10 heures.
echniquement, il utilise des appareils Holga depuis de nombreuses années et imprime au moyen format Hasselblad. Ses photographies avaient donc une
forme carrée caractéristique . Ces photos ont gagné de plus en plus de respect au fil des ans, à tel point que Kenna a exposé ses œuvres dans diverses galeries aux États-Unis, en Europe, en Asie et en Australie. Certains de ses clichés font désormais partie des collections permanentes de musées comme le Victoria and Albert Museum de Londres ou la National Gallery of Art de Washington.
Andreas Gursky
Quand le paysage aussi devient humain
En revanche, le dernier photographe de notre liste est allemand, Andreas Gursky, né à Leipzig, alors en Allemagne de l'Est, en 1955. Fils de photographe, il a grandi dans l'ouest de l'Allemagne puis divisé, près de
Düsseldorf . C'est devenu sa ville d'adoption, à tel point qu'il y étudiera plus tard, à l'Académie des Beaux-Arts, au début des années 1980.
Grâce à l'influence des photographes qui ont enseigné dans cette école, sa première activité est consacrée aux images noir et blanc de petit format. À l'approche des années 1990, cependant, il a changé de direction dans son approche. Jusqu'à la conversion en couleur et en grand format.
Du point de vue de la photographie de paysage, Gursky est un auteur atypique. Comme vous pouvez le voir sur la courte galerie que nous vous proposons ci-dessus, en effet, il préfère immortaliser des sujets artificiels. Sujets souvent très encombrés de personnes ou de choses, qui ont presque tendance à former
des dessins géométriques avec leur présence ou leurs couleurs.
Ses clichés pris à l'intérieur des salles des marchés des principales bourses mondiales sont donc célèbres. Ou ceux lors de concerts, ou devant les rayons des supermarchés. Un style qu'il a ensuite tenté de reproduire avec succès dans des décors naturels. L'un de ses clichés,
Reno II , a récemment été vendu lors d'une vente aux enchères Christie's pour plus de 4 millions de dollars.
